Antes de su regreso a Santiago, la banda japonesa toe conversó con Fuera del Radar sobre la libertad creativa que les ha permitido mantenerse juntos durante 25 años, el impacto de sus canciones y su próximo encuentro con el público chileno.
Hay una gran distancia entre Japón y Chile, tanto geográfica como lingüísticamente. Sin embargo, su música trasciende esas fronteras. Aún recordamos un momento muy especial de su primer show agotado en Santiago, en 2018, cuando invitaron a todo el público —que tenía asientos numerados— a ponerse de pie y acercarse al escenario. ¿Qué significa para ustedes tener una conexión tan profunda con los fans de un país tan lejano?
YAMA: Es increíble, y estamos agradecidos de saber que personas en Chile, tan lejos de nosotros, puedan conectar y disfrutar la música que creamos en nuestro pequeño rincón de Tokio. Esto demuestra que la expresión cultural, incluida la música, tiene el poder de unir a las personas más allá de la nacionalidad y el idioma. Ver que la gente puede conectar de esta forma, sin importar de dónde venga, es sumamente significativo para nosotros. También significa mucho saber que nuestra música puede ser una pequeña parte de esa conexión.
Hablemos un poco de su último álbum. En una entrevista anterior, durante el lanzamiento de Our Latest Number, Hirokazu-san mencionó que prefería el formato EP porque, en discos más largos, “las guitarras tienden a sonar bastante similares entre sí”. Sin embargo, NOW I SEE THE LIGHT rompió esa regla. Siendo su primer álbum de larga duración en nueve años, ¿qué los llevó a adoptar nuevamente el formato LP para este disco?
YAMA: No hay una razón en particular. Ha pasado bastante tiempo desde nuestro lanzamiento anterior —algo bastante típico en nosotros—. En Japón, los álbumes de larga duración suelen recibir más apoyo de los medios que los EP. Como habíamos acumulado muchas ideas de canciones durante ese tiempo, sentimos que era una buena oportunidad para reunirlas en un álbum. Dicho eso, todavía me resulta más fácil concentrarme en trabajar alrededor de cuatro canciones a la vez. Me siento más cómodo haciendo música en el formato EP.
Cada vez que leemos los comentarios en sus videos de YouTube, vemos a personas de todas partes del mundo compartiendo historias profundamente personales sobre cómo sus canciones les han dado esperanza, los han ayudado a atravesar momentos difíciles e incluso los han reconfortado en instantes de duelo. ¿Cómo procesan el hecho de que su música haya tenido un impacto tan profundo en la vida de tantas personas?
YAMA: Creo que es maravilloso que el arte, ya sea la música u otra forma de expresión creativa, pueda tener un impacto tan significativo en la vida de las personas. Las bandas y la música que amo me han influido profundamente y, de muchas maneras, me han ayudado a atravesar mi vida. Es increíblemente gratificante saber que la música que hacemos se ha vuelto parte de la vida de las personas de esa manera.
Es sabido que muchas de sus canciones comienzan como demos que Yamazaki y Mino crean en un computador, con baterías y bajos programados que Kashikura y Yamane reinterpretan a su manera, en lugar de surgir de una jam colectiva. Tras 25 años con la misma formación, ¿cómo han cultivado un proceso creativo que permite que su música se sienta tan orgánica y cohesionada, tanto en disco como en vivo?
YAMA: Bueno… Cuando se trata de mantener una banda unida durante tanto tiempo, creo que una de las cosas más importantes es tener otra fuente de ingresos fuera de la banda. Si quieres seguir expresándote sin importar si tu música se vuelve comercialmente exitosa, es importante no depender de ella como tu único medio de subsistencia. Como nuestra música no es simplemente una forma de llevar comida a la mesa, somos libres de crear aquello que genuinamente creemos que es bueno, sin perseguir tendencias ni intentar complacer a nadie. Creo que esa libertad finalmente crea un ciclo positivo y nos da una mejor oportunidad de hacer algo significativo.
En cuanto a nuestros shows, creo que es importante tener una visión clara de lo que quieres que sea la presentación.
Su canción サニーボーイ・ラプソディ acompañó uno de los momentos más importantes de Sonny Boy, un extraordinario anime que reunió a algunos de los creativos más celebrados de Japón, desde Shinichiro Watanabe hasta los propios toe. ¿Podrías contarnos cuál fue el encargo inicial que recibieron del director Shingo Natsume y cómo se desarrolló el proceso creativo detrás de esta canción?
YAMA: No somos compositores profesionales. No podemos escribir una canción exactamente como un cliente la imagina. El director, Shingo Natsume, entiende esto y por eso se acercó a nosotros. Nos explicó de qué trataba el anime, nos contó la escena específica en que se usaría la canción y compartió algunos materiales visuales de referencia. Interpretamos esos materiales a nuestra manera y escribimos la música. Cuando terminamos la canción, el director no pidió ningún cambio. Parecía estar realmente feliz con ella, lo cual fue genial. El anime terminado fue maravilloso, realmente conmovedor.
Mientras muchos artistas viven exclusivamente de los ingresos que genera su música, cada integrante de toe ha mantenido una carrera fuera de la banda. ¿Qué los llevó a mantener el trabajo y la música en caminos separados?
YAMA: En Japón, para bandas independientes como nosotros, que no hacemos música pop, es difícil mantener una familia solo con los ingresos de la banda. Si quieres continuar a largo plazo, naturalmente necesitas otra fuente de ingresos. Lo entendimos desde que comenzamos la banda, así que tener un trabajo fuera de la música nunca nos ha parecido extraño ni un sacrificio. De hecho, disfruto tener una carrera fuera de la música y creo que también ha sido beneficioso para mí a nivel personal. Como mencioné antes, como no hacemos música simplemente para ganarnos la vida, podemos concentrarnos en crear la música que genuinamente queremos hacer, que de cierta manera debería ser lo más natural para cualquier artista. Tener otra fuente de ingresos nos da la libertad de hacerlo. Aunque equilibrar nuestros trabajos con la banda y coordinar los horarios con las personas con las que trabajamos puede ser un poco desafiante.
Como somos Fuera del Radar, nos gustaría terminar la entrevista con una recomendación “fuera del radar”. ¿Hay algún proyecto, artista o álbum que crean que merece mucho más reconocimiento del que ha recibido? ¿Qué les recomendarían a sus fans?
YAMA: La banda hoon: hoon.tokyo.
También recomendamos a Power graphixx, una dirección de arte con la que colaboramos en la gráfica principal de nuestra gira europea de abril de este año y de la gira latinoamericana que realizaremos en primavera: power-graphixx.com.
Y a Hideji Terada: @hideji_t. ¡Todos son increíbles!
Por último, ¿qué les gustaría decirle a todas las personas que esperan verlos, ya sea por primera vez o una vez más, este 10 de septiembre en el Teatro La Cúpula?
YAMA: Nos honra tener la oportunidad de tocar nuevamente en Santiago. Haremos nuestro mejor esfuerzo para dar un gran show y no podemos esperar para verlos a todos. ¡Muchas gracias!
